인상주의에 대한 간략한 소개입니다:

 

인상주의에 대한 간략한 소개입니다: 

 

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예술의 이야기는 선형적인 진보가 아니라 변화, 모방, 반작용의 연속입니다.

따라서 19세기 중반 프랑스에서 등장한 인상주의를 이해하려면 인상주의가 무엇에 반응했는지, 즉 아카데미 데 보자르에 대해 알아야 합니다.

아카데미 데 보자르는 젊은 예술가들을 가르쳤을 뿐만 아니라 시대의 미적 기준을 정립한 프랑스 미술 학교입니다.

그리고 그들은 일반적으로 아카데미즘이라고 불리는 르네상스 시대의 사상을 바탕으로 한 매우 특정한 스타일의 회화를 우선시했습니다.

스타일로서의 아카데미즘은 강한 윤곽선, 명확한 구도, 정확한 음영, 모델링... 현실적이면서도 이상적이었습니다.

그러니 19세기 중반의 자신을 상상해 보세요. 아카데미에서 가르치고, 홍보하고, 기념하는 작품이 바로 이런 종류의 작품입니다:

 

 

 

 

 

신고전주의적이고 아카데미적인 스타일에 반기를 든 사람들이 이미 있었습니다.

그 중 한 명은 구스타브 쿠르베로, 그는 타협하지 않고 완전히 이상화되지 않은 사실주의로 평범한 사람들을 묘사했습니다.

 

그러나 가장 큰 반란은 1860년대에 아카데미에서 함께 공부하면서 만난 젊은 예술가들 사이에서 시작되었습니다.

클로드 모네, 피에르 오귀스트 르누아르, 알프레드 시슬리, 프레데릭 바질, 그리고 이들의 리더는 약간 나이가 많은 에두아르 마네였습니다....

가장 먼저 눈에 띄는 점은 윤곽선보다 색을 선호한다는 점입니다. 완벽한 스케치를 한 다음 나중에 색으로 채우는 것이 아니라 항상 색을 우선시했습니다.

그들의 그림은 아카데믹 스타일의 그림보다 훨씬 밝고 선명했습니다.

 

이처럼 모네와 그의 동시대 화가들은 혁명가가 아니었습니다.

오히려 드로잉보다 색채를 선호한 것은 16세기 이탈리아의 르네상스 시대에 비슷한 경향에서 직접적으로 영감을 받은 것입니다.

레오나르도, 미켈란젤로, 라파엘로 등 피렌체의 위대한 예술가들이 선, 윤곽, 형태를 우선시했다면 같은 시대의 베네치아 화가들, 그중에서도 티치아노는 색채를 훨씬 더 중요하게 여겼습니다:

 

인상파 화가들이 훗날 그들의 예술적 기법의 조상인 베네치아를 그토록 찬란하게 그리게 된 것은 어찌 보면 당연한 일입니다.

모네와 마네가 각각 대운하를 그린 이 두 그림에서처럼 말이죠:

 

 

 

 

인상파 화가들은 최근 유럽에 유입되기 시작한 일본의 우키요에 판화에서 영감을 얻기도 했습니다.

고도로 양식화된 이 판화들은 평범한 피사체, 대담한 색채, 특이한 각도, 아카데미에서는 이단으로 여겨졌을 구도를 특징으로 합니다:

 

 

 

 

 

 

하지만 인상파 화가들은 아카데미와 마찬가지로 사물을 사실적으로 묘사하려고 노력했으며, 그들의 작품에는 추상적인 요소가 전혀 없습니다.

하지만 아카데미즘은 세심하게 조율된 조명과 모델 배치를 통해 *스튜디오* 회화에 집중했습니다.

 

 

인상파 화가들은 '실제 삶'이 스튜디오에서처럼 보이는 경우가 드물다는 것을 알고 있었습니다.

끊임없는 움직임, 잠깐 스쳐 지나가는 사물, 안개, 연기, 안개, 때때로 평평해지는 원근감, 밝기, 그림자... 빛은 말 그대로 항상 변화하고 색채도 마찬가지입니다.

 

 

 

지베르니 정원에 있는 모네의 유명한 백합과 다리 그림에는 '비현실적'이라는 표현이 전혀 어울리지 않아요.

오히려 사실적인 그림이나 실제 사진보다 더 '진짜'처럼 느껴집니다.

 

 

그래서 인상파 화가들은 이젤과 붓 다발을 들고 야외에서 즉흥적으로 그림을 그리기 시작했습니다.

그들은 밝고 푸른 하늘과 물에 반사되거나 나뭇잎에 얼룩진 햇빛 등 눈에 보이는 모든 것을 그렸습니다...

 

통제되지 않은 야외에서 움직임과 색채, 빛의 '실제' 느낌을 강조하며 그림을 그리다 보니 자연스레 다양한 기법이 등장했습니다.

붓놀림이 훨씬 느슨해졌고 종종 선명하게 보이기도 했습니다.

 

 

 

 

 

따라서 인상주의 미술의 방법과 외관은 윤곽선이 선명하고 획을 조심스럽게 숨기고 색을 구분하는 아카데미의 미술과는 완전히 상반되는 것이었습니다.

인상파 화가들이 왜 그렇게 큰 반향을 일으켰는지 알 수 있습니다:

 

 

 

 

하지만 이는 방법과 스타일의 차이일 뿐만 아니라 주제의 차이이기도 했습니다.

아카데믹리즘은 고전과 성서, 유대-기독교 역사 또는 그리스-로마 신화에서 가져온 장면을 주제로 삼았습니다.

 

 

반면 인상파 화가들은 피사로의 몽마르뜨대로의 번잡함이나 모네의 생라자르 역의 증기와 그을음으로 얼룩진 스테인드글라스 등 일상적인 소재에 훨씬 더 많은 관심을 가졌어요:

 

 

 

 

 

"인상주의"라는 용어는 어디에서 유래했나요?

고딕, 매너리즘, 바로크와 마찬가지로 원래는 비평을 위한 용어였습니다. 1874년 파리에서 모네의 '인상, 해돋이'가 전시되었을 때 루이 르로이라는 미술 비평가가 이 용어를 경멸적으로 만들었습니다.

 

 

모네와 그의 친구들은 예술계의 조롱과 비판에도 불구하고 이 이름을 채택했습니다.

이 어리석은 인상파 화가들이 수십 년 안에 아카데미를 훨씬 능가하는 인기와 영향력을 갖게 될 줄 리로이는 거의 알지 못했을 것입니다...

엄격한 의미의 인상주의는 곧 여러 가지 예술 사조로 발전하고 분열되었습니다.

하지만 인상주의는 아카데미를 제치고 가능성의 문을 열었고, 전 세계의 젊은 예술가들이 인상주의자처럼 그림을 그리기 시작했습니다.

포스트 인상주의는 생생한 색채, 평면적인 원근법, 기묘한 형태, 왜곡, 추상화 등 사실주의에서 더 멀어졌습니다. '보는 것'보다 '느끼는 것'에 더 중점을 두었습니다.

고갱의 합성주의부터 세잔의 원시 입체파, 반 고흐의 소용돌이까지:

 

 

 

 

 

 

많은 세부 사항을 생략하고 역사상 가장 성공적인 예술 혁명 중 하나인 인상주의에 대해 간략하게 소개합니다.

그들의 예술이 그토록 큰 인기와 사랑을 받는 이유는 무엇일까요?

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